Flavia Mattioli

Nessun artista ha saputo ascoltare la danza come Edgar Degas. Non l’ha semplicemente osservata: l’ha inseguita, studiata, trattenuta nel silenzio febbrile dei suoi pastelli. Nei corpi sospesi delle ballerine, nei loro equilibri provvisori, si apre un universo fragile e potente, dove la grazia non cancella la fatica ma ne nasce, dove la bellezza non è un dono ma una conquista quotidiana.

La danza, per Degas, non è illusione: è esercizio, disciplina, resistenza.

Egli non dipingeva la danza come spettacolo, ma come esperienza vissuta. La spiava da dietro le quinte, la respirava nel sudore degli allenamenti, la seguiva nei momenti in cui il corpo cede e si ricompone. In quel movimento regolato, severo, trovava il riflesso più autentico della vita moderna: una vita fatta di ripetizione, di sforzo, di sogni trattenuti. Degas non amava esporsi. Preferiva l’ombra alle luci della ribalta, le quinte dell’Opéra di Parigi al centro della scena. È lì che la verità si fa visibile, dove il sogno teatrale si sfalda e lascia spazio alla realtà nuda.

Le sue ballerine non sono apparizioni eteree, ma giovani lavoratrici del gesto. Le vediamo stirarsi, allacciare le scarpette con dita pazienti, massaggiarsi i piedi gonfi, attendere il proprio turno sotto lo sguardo inflessibile del maestro. Attendere: anche questo è danza. In questi frammenti quotidiani Degas riconosce il battito del suo tempo. Il suo segreto risiede in una contraddizione apparente: la staticità dinamica. Le sue ballerine sono immobili, eppure pronte a muoversi.

Degas non cerca il salto, l’apice del gesto, ma l’attimo che lo precede o lo segue — quello fragile, esitante, umano. È lì che la danza smette di essere virtuosismo e diventa confessione. Oggi, osservando i quadri di Degas, avvertiamo una quiete inquieta, un movimento trattenuto. Le sue ballerine non danzano per noi: danzano per sé stesse, seguendo un ritmo interiore che non chiede applausi. Nei loro gesti interrotti, nei riflessi di gesso e di luce, vive la poesia del non-finito, la malinconia di ciò che sfugge mentre accade.

Degas è riuscito a fermare il tempo senza imprigionarlo, a rendere eterno ciò che per natura è effimero.

Nelle sue mani la danza diventa un linguaggio dell’anima: un modo silenzioso per raccontare ciò che le parole non sanno dire — la tensione perpetua tra disciplina e desiderio, tra equilibrio e caduta, tra arte e vita.

Perché dipingo la danza? È il movimento della gente e delle cose che ci consola. Se le foglie degli alberi non si muovessero, gli alberi sarebbero infinitamente tristi e la loro tristezza sarebbe la nostra.

Edgar Degas

La danza classica è un’arte che unisce rigore e poesia, disciplina e leggerezza. Dietro l’apparente naturalezza dei movimenti, si nasconde un lavoro lungo e meticoloso, fatto di preparazione, ascolto e consapevolezza.

In questo percorso, la propedeutica rappresenta una fase fondamentale e irrinunciabile: è il terreno su cui germoglia il danzatore, il momento in cui il corpo e la mente vengono educati al linguaggio della danza.

La propedeutica nella danza classica non è una “danza semplificata”, ma un processo educativo profondo. Attraverso esercizi mirati, il corpo impara a riconoscere l’asse, l’equilibrio, la coordinazione e la relazione con lo spazio.

Prima ancora di affrontare posizioni codificate e passi complessi, l’allievo sviluppa una percezione chiara del proprio corpo e delle sue possibilità. Questo lavoro preliminare permette di costruire una base funzionale, evitando forzature e compensazioni. Ogni movimento nasce così da una struttura corretta, rendendo la danza più fluida, armoniosa e sicura. Uno degli aspetti più importanti della propedeutica è la prevenzione degli infortuni.

Nella danza classica, dove precisione e ripetizione sono essenziali, un’impostazione errata può causare tensioni, dolori e problematiche fisiche nel tempo. La propedeutica educa al rispetto del corpo, insegnando ad ascoltarlo e a riconoscerne i limiti. Attraverso un lavoro graduale su postura, allineamento, mobilità articolare e forza, l’allievo impara a muoversi in modo consapevole, sviluppando una tecnica sana e sostenibile. La prevenzione diventa così parte integrante della formazione artistica.

La propedeutica aiuta a sviluppare musicalità, ritmo e coordinazione, elementi essenziali per l’interpretazione. Giochi ritmici, esercizi di ascolto e movimenti strutturati permettono all’allievo di interiorizzare il tempo musicale e di tradurlo in gesto. Questa fase favorisce anche la capacità di coordinare braccia e gambe, di orientarsi nello spazio e di mantenere l’attenzione. Sono competenze che, una volta acquisite, rendono più naturale e immediato l’approccio allo studio accademico.

Oltre all’aspetto fisico, la propedeutica svolge un ruolo fondamentale sul piano emotivo. Avvicinare i bambini (e non solo) alla danza attraverso un percorso graduale e rispettoso significa creare un rapporto positivo con questa disciplina. La propedeutica stimola la creatività, la fiducia in sé stessi e il piacere del movimento. Attraverso esperienze di successo accessibili, l’allievo sviluppa motivazione e desiderio di proseguire.

La danza non viene percepita come un’imposizione, ma come uno spazio di espressione e crescita personale. La propedeutica è il momento in cui si gettano le basi della tecnica, ma anche dell’atteggiamento artistico.

Disciplina, ascolto, concentrazione e rispetto delle regole vengono interiorizzati in modo naturale. Questo permette di affrontare, in seguito, lo studio della danza classica con maggiore maturità e consapevolezza. Un allievo che ha svolto un buon percorso propedeutico non solo apprende più velocemente, ma sviluppa una relazione più sana e duratura con la danza.

L’importanza della propedeutica nella danza classica risiede nella sua capacità di formare danzatori completi, consapevoli e rispettosi del proprio corpo. È una fase silenziosa ma decisiva, in cui si costruiscono le fondamenta di una tecnica solida e di un’espressione autentica.

Investire nella propedeutica significa scegliere la qualità del percorso, valorizzare il processo e dare alla danza il tempo di nascere davvero.

Immaginate di entrare in un teatro illuminato da luci calde, dove il sipario si apre lentamente, e davanti a voi prende vita un mondo sospeso tra sogno e realtà. Nel grande repertorio classico, alcune scene rimangono indelebili nella memoria, non solo per la loro tecnica impeccabile, ma per la loro capacità di farci sentire la poesia del movimento.

Si comincia con Giselle. Nel primo atto, il villaggio idilliaco sembra normale e reale, ma la tragedia si avvicina. Quando Giselle crolla consumata dalla follia e dalla disperazione, il silenzio cala sul pubblico. E poi, nel secondo atto, le Willi emergono come fantasmi eterei: linee perfette, movimenti sospesi, braccia leggere come piume. Giselle danza tra loro, ora spirito, ora figura umana, e il contrasto tra la sua pietà e l’energia implacabile di Myrtha crea una tensione che lascia senza fiato. È la quintessenza del romanticismo, un equilibrio tra terrore e bellezza.

Allo stesso modo, nel secondo atto de Il Lago dei Cigni, Odette fluttua sul lago insieme alle sue sorelle cigni. Le loro linee perfettamente sincronizzate, la leggerezza dei salti, il port de bras che sembra sfidare la gravità, tutto contribuisce a un effetto ipnotico. Poi arrivano i piccoli cigni, con le braccia intrecciate e i piedi che seguono una precisione millimetrica: in pochi secondi, il corpo di ballo diventa un unico organismo, e il pubblico trattiene il respiro per l’armonia perfetta.

Nei momenti più festosi, come il Valzer dei Fiori ne Lo Schiaccianoci, i colori dei costumi esplodono sul palco, i movimenti del corpo di ballo scorrono come un fiume luminoso, e ogni passo sembra un sorriso danzante.

E quando Kitri e Basilio entrano nella Fiesta spagnola di Don Chisciotte, il palco vibra di energia: pirouettes rapide, grand jetés, tour en l’air, e i ballerini sembrano sfidare le leggi della fisica con il loro virtuosismo travolgente.

Nel Regno delle Ombre de La Bayadère, invece, l’atmosfera cambia radicalmente. Trentaquattro ballerine si muovono in linee perfette, con un ritmo ipnotico e quasi religioso, evocando un senso di mistero e sospensione, come se il tempo stesso fosse rallentato. Ogni movimento è misurato, elegante, una danza che trasmette insieme armonia e malinconia.

Altre scene iconiche colpiscono per la loro comicità e leggerezza: l’entrata dei cavalieri in Coppélia o la Mazurka dei villani, dove il virtuosismo si unisce alla mimica teatrale e il pubblico ride e applaude insieme alla perfezione tecnica.

Nei grandi pas de deux, come quelli di Cenerentola, la grazia dei portés e dei sollevamenti si fonde con l’espressività emotiva, e ogni variazione sembra raccontare una storia senza bisogno di parole.

Infine, non si può dimenticare Odile ne Il Lago dei Cigni: la seduzione e il fascino malizioso sono evidenziati dai salti fulminei, dalle pirouettes multiple e dai tour perfetti. Il contrasto tra Odette e Odile mostra la profondità emotiva del balletto classico, dove il virtuosismo diventa linguaggio della psiche e del cuore.

Queste scene, seppur diverse tra loro, hanno in comune la capacità di trasportarci in mondi sospesi tra realtà e sogno, di farci sentire la perfezione tecnica come parte di una poesia visiva. È questa fusione di movimento, emozione e immagine che rende il grande repertorio accademico immortale, e che continua ad incantare spettatori e ballerini di ogni generazione.